LE HAYE
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2022-2025
C3.0
Responsable produit
UX/UI
Gestion de projet
Stratégie numérique
Directeur artistique
Conception d'expositions virtuelles
Orientation de la campagne
Image de marque
J’ai cofondé Christie’s 3.0 et en ai assuré la direction produit, en accompagnant le projet depuis sa conception jusqu’aux ventes en ligne.
J’ai piloté la plateforme à travers toutes les étapes : conception, étude des utilisateurs, design et développement technique, en veillant à ce que chaque phase reste ancrée dans l’objectif commercial : faire passer l’intégralité du processus d’achat et de vente sur la blockchain, plutôt que de simplement ajouter un système de paiement en cryptomonnaie à une vente aux enchères traditionnelle.
Cette décision a défini l’essence même du projet. Passer entièrement sur la blockchain impliquait de reconstruire sous forme de contrats intelligents les mécanismes sur lesquels la maison de vente aux enchères s’appuyait depuis des siècles : enchères, règlement, conformité, provenance, tout en offrant la transparence et la vérifiabilité dont bénéficient les collectionneurs et les artistes.
Le défi de conception consistait à fusionner la familiarité du Web 2.0 avec les capacités du Web 3.0, afin qu’un collectionneur puisse enchérir sans avoir besoin de comprendre les mécanismes sous-jacents.
Fonctionnalités que j’ai dirigées :
→ Enchères entièrement sur la blockchain et transactions gérées par des contrats intelligents
→ Enchères en temps réel avec conversion ETH–USD
→ Contrôles de conformité automatisés pour les portefeuilles numériques
→ Calcul de la taxe sur les ventes sur la blockchain et facilitation du paiement
→ Un système de portefeuille de couche 2
→ Gestion centralisée des enchères via une infrastructure front-end et back-end unifiée
J’ai également dirigé la conception et la mise en œuvre de la galerie virtuelle (illustrée ci-dessous), offrant aux artistes un espace qui leur est propre et qui perpétue l’héritage de Christie’s au sein d’une interface native Web3.
La plateforme a été lancée avec une exposition inaugurale à guichets fermés consacrée à l’œuvre de Diana Sinclair. Christie’s 3.0 a ensuite remporté les prix Webby, Lovie et Cryptie.
J’ai piloté la plateforme à travers toutes les étapes : conception, étude des utilisateurs, design et développement technique, en veillant à ce que chaque phase reste ancrée dans l’objectif commercial : faire passer l’intégralité du processus d’achat et de vente sur la blockchain, plutôt que de simplement ajouter un système de paiement en cryptomonnaie à une vente aux enchères traditionnelle.
Cette décision a défini l’essence même du projet. Passer entièrement sur la blockchain impliquait de reconstruire sous forme de contrats intelligents les mécanismes sur lesquels la maison de vente aux enchères s’appuyait depuis des siècles : enchères, règlement, conformité, provenance, tout en offrant la transparence et la vérifiabilité dont bénéficient les collectionneurs et les artistes.
Le défi de conception consistait à fusionner la familiarité du Web 2.0 avec les capacités du Web 3.0, afin qu’un collectionneur puisse enchérir sans avoir besoin de comprendre les mécanismes sous-jacents.
Fonctionnalités que j’ai dirigées :
→ Enchères entièrement sur la blockchain et transactions gérées par des contrats intelligents
→ Enchères en temps réel avec conversion ETH–USD
→ Contrôles de conformité automatisés pour les portefeuilles numériques
→ Calcul de la taxe sur les ventes sur la blockchain et facilitation du paiement
→ Un système de portefeuille de couche 2
→ Gestion centralisée des enchères via une infrastructure front-end et back-end unifiée
J’ai également dirigé la conception et la mise en œuvre de la galerie virtuelle (illustrée ci-dessous), offrant aux artistes un espace qui leur est propre et qui perpétue l’héritage de Christie’s au sein d’une interface native Web3.
La plateforme a été lancée avec une exposition inaugurale à guichets fermés consacrée à l’œuvre de Diana Sinclair. Christie’s 3.0 a ensuite remporté les prix Webby, Lovie et Cryptie.
2016-2026
Christie's
Responsable produit
UX/UI
Transformation numérique
Stratégie numérique
Systèmes de conception
Directeur artistique
Image de marque
Campagnes
Conception d'expositions
J'ai rejoint Christie's en 2016 en tant que directrice créative internationale, à la tête d'une équipe de plus de 20 créatifs chargés de produire des expositions, des campagnes numériques et des publications d'artistes en collaboration avec des artistes, des galeristes et des spécialistes.
J'ai intégré l'équipe de direction numérique en 2020 et j'occupe désormais le poste de responsable mondiale de la conception numérique et de l'innovation. Je me concentre sur l’interface utilisateur de la présence numérique de Christie’s. Je dirige une équipe de 12 concepteurs de produits UX, technologues créatifs et ingénieurs, travaillant en collaboration avec des agences externes sur le site web, l’application iOS et Easel, notre bibliothèque de systèmes de conception.
Le travail sur le système est ce qui m’importe le plus : il garantit une norme visuelle unique pour une marque vieille de 260 ans présente dans 190 pays, et fournit à l’ensemble de l’organisation une base sur laquelle s’appuyer.
En 2021, j’ai fondé le laboratoire d’innovation interne, qui a permis à Christie’s de se lancer dans la RA/RV, une plateforme SaaS B2B dédiée aux salons d’art, aux applications de réalité augmentée de luxe et aux boutiques éphémères transactionnelles. J’ai cofondé Christie’s 3.0, notre plateforme sur la blockchain axée sur les artistes émergents et les galeries virtuelles pour leurs propres œuvres, récompensée par les prix Webby, Lovie et Cryptie.
J’ai mis en place des salles d’exposition en ligne avec 1-54, ouvrant ainsi de nouvelles voies vers l’art africain contemporain. Mon équipe a également développé notre plateforme Shop et des services sur mesure pour les salons d’art. Je codirige aujourd’hui le programme d’agents IA de Christie’s, en développant des outils agentiques concrets et des cadres de prompts qui s’intègrent au cœur du fonctionnement de l’équipe plutôt qu’en marge de celui-ci. L’avantage réside dans les données, et non dans le modèle ; l’effort porte donc sur l’extraction, la gouvernance et les normes.
Je promeus une culture de studio en interne et reste impliqué de près dans la mise en scène, les campagnes et le design, qu’il s’agisse de stratégie numérique, de présentations aux vendeurs ou de livraison agile, dans un environnement où le travail d’équipe doit respecter des délais d’enchères serrés pour produire plus de 380 solutions créatives par an.
J'ai intégré l'équipe de direction numérique en 2020 et j'occupe désormais le poste de responsable mondiale de la conception numérique et de l'innovation. Je me concentre sur l’interface utilisateur de la présence numérique de Christie’s. Je dirige une équipe de 12 concepteurs de produits UX, technologues créatifs et ingénieurs, travaillant en collaboration avec des agences externes sur le site web, l’application iOS et Easel, notre bibliothèque de systèmes de conception.
Le travail sur le système est ce qui m’importe le plus : il garantit une norme visuelle unique pour une marque vieille de 260 ans présente dans 190 pays, et fournit à l’ensemble de l’organisation une base sur laquelle s’appuyer.
En 2021, j’ai fondé le laboratoire d’innovation interne, qui a permis à Christie’s de se lancer dans la RA/RV, une plateforme SaaS B2B dédiée aux salons d’art, aux applications de réalité augmentée de luxe et aux boutiques éphémères transactionnelles. J’ai cofondé Christie’s 3.0, notre plateforme sur la blockchain axée sur les artistes émergents et les galeries virtuelles pour leurs propres œuvres, récompensée par les prix Webby, Lovie et Cryptie.
J’ai mis en place des salles d’exposition en ligne avec 1-54, ouvrant ainsi de nouvelles voies vers l’art africain contemporain. Mon équipe a également développé notre plateforme Shop et des services sur mesure pour les salons d’art. Je codirige aujourd’hui le programme d’agents IA de Christie’s, en développant des outils agentiques concrets et des cadres de prompts qui s’intègrent au cœur du fonctionnement de l’équipe plutôt qu’en marge de celui-ci. L’avantage réside dans les données, et non dans le modèle ; l’effort porte donc sur l’extraction, la gouvernance et les normes.
Je promeus une culture de studio en interne et reste impliqué de près dans la mise en scène, les campagnes et le design, qu’il s’agisse de stratégie numérique, de présentations aux vendeurs ou de livraison agile, dans un environnement où le travail d’équipe doit respecter des délais d’enchères serrés pour produire plus de 380 solutions créatives par an.
2011-2016
Tate
Directeur artistique
Image de marque
Direction artistique
Gestion de la production
Conception d'expositions
Conception d'affiches
Mon rôle à la Tate consistait à intervenir concrètement à toutes les étapes du cycle de vie de la marque : conception des expositions, supports imprimés, site web et supports de campagne numérique. Je travaillais aux côtés des artistes et des conservateurs pour transposer leur vision dans l’espace physique et numérique.
En 2015, j’ai collaboré avec North à la refonte de l’identité de marque de la Tate, puis j’ai dirigé l’équipe interne lors de son déploiement. Le problème sous-jacent tenait à l’architecture : quatre galeries avec des publics et des programmes distincts qui devaient être perçues comme une seule et même institution. La solution a consisté à mettre en place un logo et un système typographique adaptables plutôt que de procéder à une refonte, une simplification qui a donné à la marque une plus grande polyvalence à travers les différents supports tout en conservant l’essence que le public reconnaissait déjà.
J’ai également conçu de nombreuses expositions marquantes, notamment la rétrospective consacrée à Damien Hirst en 2012, qui a attiré 463 087 visiteurs et reste l’exposition individuelle la plus visitée de la Tate Modern. J’ai également été concepteur principal de l’exposition « Henri Matisse : The Cut-Outs » en 2014, qui a attiré 562 622 visiteurs, ce qui en fait l’exposition la plus visitée de la Tate et la première à franchir le cap du demi-million.
Ces deux projets ont été menés en collaboration, alliant la vision curatoriale, la conception et la réalisation pour créer une expérience environnementale à grande échelle, le tout dans le respect de dates d’ouverture fixes.
Sur le plan éditorial, j’ai repensé le rapport annuel pour lui donner un format de type magazine, avec une grille flexible, des citations en exergue et des dossiers consacrés aux projets, présentant ainsi l’expansion internationale de la Tate comme un récit plutôt que comme un simple document.
En 2015, j’ai travaillé sur la conception de maquettes fonctionnelles et la restructuration du site tate.org.uk avec Charming Robot, en développant une conception centrée sur l’utilisateur à partir de recherches et de données comportementales : une expérience de recherche améliorée, une page d’accueil avec des images et des vidéos en pleine largeur, ainsi qu’une navigation basée sur la localisation. L’intérêt résidait dans le fait de transposer un système de marque issu des supports imprimés et des aménagements spatiaux vers un produit que les gens utilisent au quotidien.
La Tate m’a appris à concilier ambition artistique et stratégie institutionnelle au sein d’un même cahier des charges, et à faire en sorte que chaque projet serve ces deux objectifs — une approche que j’ai mise à profit chez Christie’s en 2016.
En 2015, j’ai collaboré avec North à la refonte de l’identité de marque de la Tate, puis j’ai dirigé l’équipe interne lors de son déploiement. Le problème sous-jacent tenait à l’architecture : quatre galeries avec des publics et des programmes distincts qui devaient être perçues comme une seule et même institution. La solution a consisté à mettre en place un logo et un système typographique adaptables plutôt que de procéder à une refonte, une simplification qui a donné à la marque une plus grande polyvalence à travers les différents supports tout en conservant l’essence que le public reconnaissait déjà.
J’ai également conçu de nombreuses expositions marquantes, notamment la rétrospective consacrée à Damien Hirst en 2012, qui a attiré 463 087 visiteurs et reste l’exposition individuelle la plus visitée de la Tate Modern. J’ai également été concepteur principal de l’exposition « Henri Matisse : The Cut-Outs » en 2014, qui a attiré 562 622 visiteurs, ce qui en fait l’exposition la plus visitée de la Tate et la première à franchir le cap du demi-million.
Ces deux projets ont été menés en collaboration, alliant la vision curatoriale, la conception et la réalisation pour créer une expérience environnementale à grande échelle, le tout dans le respect de dates d’ouverture fixes.
Sur le plan éditorial, j’ai repensé le rapport annuel pour lui donner un format de type magazine, avec une grille flexible, des citations en exergue et des dossiers consacrés aux projets, présentant ainsi l’expansion internationale de la Tate comme un récit plutôt que comme un simple document.
En 2015, j’ai travaillé sur la conception de maquettes fonctionnelles et la restructuration du site tate.org.uk avec Charming Robot, en développant une conception centrée sur l’utilisateur à partir de recherches et de données comportementales : une expérience de recherche améliorée, une page d’accueil avec des images et des vidéos en pleine largeur, ainsi qu’une navigation basée sur la localisation. L’intérêt résidait dans le fait de transposer un système de marque issu des supports imprimés et des aménagements spatiaux vers un produit que les gens utilisent au quotidien.
La Tate m’a appris à concilier ambition artistique et stratégie institutionnelle au sein d’un même cahier des charges, et à faire en sorte que chaque projet serve ces deux objectifs — une approche que j’ai mise à profit chez Christie’s en 2016.
2008-2011
Whitechapel
Responsable du design
UX/UI
Conception
Production
Gestion de contenu
En tant que responsable du design et de la production, j’ai dirigé la transformation visuelle de la galerie, tant sur place qu’en ligne.
Le contexte était celui d’une expansion. La Whitechapel doublait de taille, en reprenant l’ancienne bibliothèque voisine, et rouvrait ses portes en deux bâtiments qui devaient être perçus comme une seule et même institution.
J’ai été recruté pour moderniser l’identité de marque en vue de cette réouverture. L’identité existante faisait concurrence aux œuvres d’art et manquait de cohérence ; j’ai donc collaboré avec Spin pour la refonte, puis j’ai dirigé l’équipe interne lors de la mise en œuvre.
L’idée sur laquelle nous nous sommes mis d’accord était le socle : un dispositif graphique qui regroupe la marque et toutes les informations de signalétique dans un bloc défini, structurellement distinct de l’image. Il emprunte sa logique à la galerie elle-même : un socle soutient l’œuvre sans être l’œuvre. Cela nous a permis d’utiliser des images à fond perdu, étroitement cadrées, qui interpellent le spectateur de près et créent une impression de proximité, tout en conservant la voix institutionnelle lisible et placée de manière cohérente. La marque disposait désormais de son propre territoire ; elle n’avait donc plus à « négocier » l’espace avec les œuvres d’art. Une fois ce dispositif mis en place, il a pu être transposé à différentes échelles sans nécessiter d’autres innovations.
Parallèlement à la police de caractères Whitechapel remaniée et à une approche visuelle bien définie, l’équipe interne a appliqué ce concept à la signalétique, aux supports imprimés, aux campagnes et aux publications, conférant ainsi aux supports de la galerie une reconnaissance immédiate qui perdure aujourd’hui.
Avec Holmes-Wood, le socle est devenu le support physique d’information au sein d’un système d’orientation qui reliait les deux bâtiments en un parcours visiteur unique et lisible, selon la même règle que celle appliquée à la signalétique et à l’affiche.
L’élément dont je suis le plus fier est le site web. Il ne figurait sur la feuille de route de personne ; je l’ai initié, j’en ai défendu la nécessité en interne et j’ai co-dirigé le projet de bout en bout, car le site allait à l’encontre de tout ce que nous venions de construire dans l’espace physique.
Transformer le socle en une grille fluide a constitué une contrainte intéressante : un dispositif conçu autour de proportions d’impression fixes devait conserver sa logique quelle que soit la fenêtre d’affichage, tout en préservant la séparation entre la marque et l’œuvre d’art qui justifiait son existence au départ.
C’est en réussissant cela que nous avons prouvé que l’identité était un système plutôt qu’un simple style visuel.
Le contexte était celui d’une expansion. La Whitechapel doublait de taille, en reprenant l’ancienne bibliothèque voisine, et rouvrait ses portes en deux bâtiments qui devaient être perçus comme une seule et même institution.
J’ai été recruté pour moderniser l’identité de marque en vue de cette réouverture. L’identité existante faisait concurrence aux œuvres d’art et manquait de cohérence ; j’ai donc collaboré avec Spin pour la refonte, puis j’ai dirigé l’équipe interne lors de la mise en œuvre.
L’idée sur laquelle nous nous sommes mis d’accord était le socle : un dispositif graphique qui regroupe la marque et toutes les informations de signalétique dans un bloc défini, structurellement distinct de l’image. Il emprunte sa logique à la galerie elle-même : un socle soutient l’œuvre sans être l’œuvre. Cela nous a permis d’utiliser des images à fond perdu, étroitement cadrées, qui interpellent le spectateur de près et créent une impression de proximité, tout en conservant la voix institutionnelle lisible et placée de manière cohérente. La marque disposait désormais de son propre territoire ; elle n’avait donc plus à « négocier » l’espace avec les œuvres d’art. Une fois ce dispositif mis en place, il a pu être transposé à différentes échelles sans nécessiter d’autres innovations.
Parallèlement à la police de caractères Whitechapel remaniée et à une approche visuelle bien définie, l’équipe interne a appliqué ce concept à la signalétique, aux supports imprimés, aux campagnes et aux publications, conférant ainsi aux supports de la galerie une reconnaissance immédiate qui perdure aujourd’hui.
Avec Holmes-Wood, le socle est devenu le support physique d’information au sein d’un système d’orientation qui reliait les deux bâtiments en un parcours visiteur unique et lisible, selon la même règle que celle appliquée à la signalétique et à l’affiche.
L’élément dont je suis le plus fier est le site web. Il ne figurait sur la feuille de route de personne ; je l’ai initié, j’en ai défendu la nécessité en interne et j’ai co-dirigé le projet de bout en bout, car le site allait à l’encontre de tout ce que nous venions de construire dans l’espace physique.
Transformer le socle en une grille fluide a constitué une contrainte intéressante : un dispositif conçu autour de proportions d’impression fixes devait conserver sa logique quelle que soit la fenêtre d’affichage, tout en préservant la séparation entre la marque et l’œuvre d’art qui justifiait son existence au départ.
C’est en réussissant cela que nous avons prouvé que l’identité était un système plutôt qu’un simple style visuel.
