LE HAYE
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2022–2025
C3.0
Produktverantwortlicher
UX/UI
Projektmanagement
Digitalstrategie
Kreativdirektor
Gestaltung virtueller Ausstellungen
Kampagnenausrichtung
Markenbildung
Ich war Mitbegründer von Christie’s 3.0 und leitete das Projekt als Produktleiter, wobei ich es vom Konzept bis hin zu den ersten Auktionen begleitete.
Ich leitete die Plattform von der Ideenfindung über die Nutzerforschung und das Design bis hin zur technischen Umsetzung und stellte dabei sicher, dass jede Phase auf das kommerzielle Ziel ausgerichtet war: den gesamten Kauf- und Verkaufsprozess auf die Blockchain zu verlagern, anstatt lediglich Krypto-Zahlungen an eine herkömmliche Auktion anzuhängen.
Diese Entscheidung prägte die gesamte Arbeit. Die vollständige Verlagerung auf die Blockchain bedeutete, Mechanismen, auf die sich das Auktionshaus seit Jahrhunderten verlassen hatte – Gebote, Abwicklung, Compliance und Provenienz –, als Smart Contracts neu zu entwickeln, mit der Transparenz und Nachprüfbarkeit, die Sammler und Künstler schätzen.
Die Herausforderung beim Design bestand darin, die Vertrautheit von Web2 mit den Möglichkeiten von Web3 zu verbinden, sodass ein Sammler bieten konnte, ohne verstehen zu müssen, was dahintersteckte.
Von mir geleitete Funktionen:
→ Vollständig on-chain-basierte Gebote und durch Smart Contracts verwaltete Transaktionen
→ Echtzeit-Gebote mit ETH–USD-Umrechnung
→ Automatisierte Compliance-Prüfungen für digitale Wallets
→ On-chain-Berechnung der Umsatzsteuer und Erleichterung der Zahlung
→ Ein Layer-2-Wallet-System
→ Zentralisiertes Auktionsmanagement über eine einheitliche Frontend- und Backend-Infrastruktur
Außerdem leitete ich das Design und die Operationalisierung der virtuellen Galerie (siehe unten) geleitet, wodurch Künstlern ein eigener Raum geboten wurde, der das Erbe von Christie’s in einer Web3-nativen Benutzeroberfläche weiterführt.
Die Plattform startete mit einer ausverkauften Eröffnungsausstellung mit Werken von Diana Sinclair. Christie’s 3.0 wurde anschließend mit den Webby-, Lovie- und Cryptie-Awards ausgezeichnet.
Ich leitete die Plattform von der Ideenfindung über die Nutzerforschung und das Design bis hin zur technischen Umsetzung und stellte dabei sicher, dass jede Phase auf das kommerzielle Ziel ausgerichtet war: den gesamten Kauf- und Verkaufsprozess auf die Blockchain zu verlagern, anstatt lediglich Krypto-Zahlungen an eine herkömmliche Auktion anzuhängen.
Diese Entscheidung prägte die gesamte Arbeit. Die vollständige Verlagerung auf die Blockchain bedeutete, Mechanismen, auf die sich das Auktionshaus seit Jahrhunderten verlassen hatte – Gebote, Abwicklung, Compliance und Provenienz –, als Smart Contracts neu zu entwickeln, mit der Transparenz und Nachprüfbarkeit, die Sammler und Künstler schätzen.
Die Herausforderung beim Design bestand darin, die Vertrautheit von Web2 mit den Möglichkeiten von Web3 zu verbinden, sodass ein Sammler bieten konnte, ohne verstehen zu müssen, was dahintersteckte.
Von mir geleitete Funktionen:
→ Vollständig on-chain-basierte Gebote und durch Smart Contracts verwaltete Transaktionen
→ Echtzeit-Gebote mit ETH–USD-Umrechnung
→ Automatisierte Compliance-Prüfungen für digitale Wallets
→ On-chain-Berechnung der Umsatzsteuer und Erleichterung der Zahlung
→ Ein Layer-2-Wallet-System
→ Zentralisiertes Auktionsmanagement über eine einheitliche Frontend- und Backend-Infrastruktur
Außerdem leitete ich das Design und die Operationalisierung der virtuellen Galerie (siehe unten) geleitet, wodurch Künstlern ein eigener Raum geboten wurde, der das Erbe von Christie’s in einer Web3-nativen Benutzeroberfläche weiterführt.
Die Plattform startete mit einer ausverkauften Eröffnungsausstellung mit Werken von Diana Sinclair. Christie’s 3.0 wurde anschließend mit den Webby-, Lovie- und Cryptie-Awards ausgezeichnet.
2016–2026
Christie's
Produktverantwortlicher
UX/UI
Digitale Transformation
Digitalstrategie
Designsysteme
Kreativdirektor
Markenbildung
Kampagnen
Ausstellungsgestaltung
Ich kam 2016 als International Creative Director zu Christie’s und leitete dort ein Team von über 20 Kreativen, das in Zusammenarbeit mit Künstlern, Galeristen und Experten Ausstellungen, digitale Kampagnen und Künstlerpublikationen produzierte.
Im Jahr 2020 wechselte ich in das digitale Führungsteam und bin nun als Global Head of Digital Design & Innovation tätig. Mein Schwerpunkt liegt auf dem Frontend der digitalen Präsenz von Christie’s. Ich leite ein Team aus 12 UX-Produktdesignern, kreativen Technologen und Ingenieuren und arbeite gemeinsam mit externen Agenturen an der Website, der iOS-App und „Easel“, unserer Design-System-Bibliothek.
Die Arbeit am System ist für mich am wichtigsten: Sie sorgt für einen einheitlichen visuellen Standard innerhalb einer 260 Jahre alten Marke, die in 190 Ländern tätig ist, und bietet dem gesamten Unternehmen eine Grundlage, auf der es aufbauen kann.
Im Jahr 2021 gründete ich das interne Innovationslabor, das Christie’s in die Bereiche AR/VR, eine B2B-SaaS-Plattform für Kunstmessen, luxuriöse Augmented-Reality-Anwendungen und transaktionsbasierten Pop-up-Einzelhandel führte. Ich war Mitbegründer von Christie’s 3.0, unserer On-Chain-Plattform, die sich um aufstrebende Künstler und virtuelle Galerien für deren eigene Werke dreht und mit den Webby-, Lovie- und Cryptie-Awards ausgezeichnet wurde.
Ich habe gemeinsam mit 1-54 Online-Viewing-Rooms aufgebaut und damit neue Wege in die zeitgenössische afrikanische Kunst erschlossen. Mein Team hat außerdem unsere „Shop“-Plattform sowie maßgeschneiderte Dienstleistungen für Kunstmessen entwickelt. Derzeit leite ich gemeinsam das KI-Agentenprogramm von Christie’s und entwickle fundierte agentenbasierte Tools und Prompt-Frameworks, die sich nahtlos in die Arbeitsabläufe des Teams einfügen, anstatt diese zu ergänzen. Der Vorteil liegt in den Daten, nicht im Modell, daher konzentrieren sich unsere Bemühungen auf Datengewinnung, Datenverwaltung und Standardisierung.
Ich setze mich für eine interne Studiokultur ein und bin weiterhin aktiv an Styling, Kampagnenarbeit und Design beteiligt – von der digitalen Strategie über Verkäuferpräsentationen bis hin zur agilen Umsetzung –, und zwar in einem Umfeld, in dem Teamarbeit mit engen Auktionsfristen einhergeht, um jährlich über 380 kreative Auktionslösungen zu produzieren.
Im Jahr 2020 wechselte ich in das digitale Führungsteam und bin nun als Global Head of Digital Design & Innovation tätig. Mein Schwerpunkt liegt auf dem Frontend der digitalen Präsenz von Christie’s. Ich leite ein Team aus 12 UX-Produktdesignern, kreativen Technologen und Ingenieuren und arbeite gemeinsam mit externen Agenturen an der Website, der iOS-App und „Easel“, unserer Design-System-Bibliothek.
Die Arbeit am System ist für mich am wichtigsten: Sie sorgt für einen einheitlichen visuellen Standard innerhalb einer 260 Jahre alten Marke, die in 190 Ländern tätig ist, und bietet dem gesamten Unternehmen eine Grundlage, auf der es aufbauen kann.
Im Jahr 2021 gründete ich das interne Innovationslabor, das Christie’s in die Bereiche AR/VR, eine B2B-SaaS-Plattform für Kunstmessen, luxuriöse Augmented-Reality-Anwendungen und transaktionsbasierten Pop-up-Einzelhandel führte. Ich war Mitbegründer von Christie’s 3.0, unserer On-Chain-Plattform, die sich um aufstrebende Künstler und virtuelle Galerien für deren eigene Werke dreht und mit den Webby-, Lovie- und Cryptie-Awards ausgezeichnet wurde.
Ich habe gemeinsam mit 1-54 Online-Viewing-Rooms aufgebaut und damit neue Wege in die zeitgenössische afrikanische Kunst erschlossen. Mein Team hat außerdem unsere „Shop“-Plattform sowie maßgeschneiderte Dienstleistungen für Kunstmessen entwickelt. Derzeit leite ich gemeinsam das KI-Agentenprogramm von Christie’s und entwickle fundierte agentenbasierte Tools und Prompt-Frameworks, die sich nahtlos in die Arbeitsabläufe des Teams einfügen, anstatt diese zu ergänzen. Der Vorteil liegt in den Daten, nicht im Modell, daher konzentrieren sich unsere Bemühungen auf Datengewinnung, Datenverwaltung und Standardisierung.
Ich setze mich für eine interne Studiokultur ein und bin weiterhin aktiv an Styling, Kampagnenarbeit und Design beteiligt – von der digitalen Strategie über Verkäuferpräsentationen bis hin zur agilen Umsetzung –, und zwar in einem Umfeld, in dem Teamarbeit mit engen Auktionsfristen einhergeht, um jährlich über 380 kreative Auktionslösungen zu produzieren.
2011–2016
Tate
Kreativdirektor
Markenbildung
Künstlerische Leitung
Produktionsmanagement
Ausstellungsgestaltung
Plakatgestaltung
Meine Rolle bei der Tate umfasste die praktische Umsetzung über den gesamten Markenlebenszyklus hinweg: Ausstellungsgestaltung, Drucksachen, die Website und Materialien für digitale Kampagnen. Dabei arbeitete ich eng mit Künstlern und Kuratoren zusammen, um ihre Visionen im physischen und digitalen Raum umzusetzen.
Im Jahr 2015 arbeitete ich gemeinsam mit North an der Neugestaltung der Markenidentität der Tate und leitete anschließend das interne Team bei der Umsetzung. Das zugrunde liegende Problem war die Struktur: vier Galerien mit unterschiedlichen Zielgruppen und Programmen, die als eine Institution wahrgenommen werden mussten. Die Lösung bestand nicht in einer Neugestaltung, sondern in einem anpassungsfähigen Logo und einem typografischen System – eine Vereinfachung, die der Marke mehr Spielraum in den verschiedenen Medien verschaffte und gleichzeitig das Wesentliche bewahrte, das die Menschen bereits kannten.
Außerdem gestaltete ich zahlreiche bemerkenswerte Ausstellungen, darunter die Damien-Hirst-Retrospektive im Jahr 2012, die 463.087 Besucher anzog und bis heute die meistbesuchte Einzelausstellung der Tate Modern ist. Außerdem war ich leitender Ausstellungsgestalter für „Henri Matisse: The Cut-Outs“ im Jahr 2014, die 562.622 Besucher anzog – die meistbesuchte Ausstellung der Tate und die erste, die die Marke von einer halben Million überschritt.
Beide Ausstellungen entstanden in Zusammenarbeit und verbanden kuratorische Intention, Design und Umsetzung zu einem groß angelegten Raumerlebnis, das termingerecht zu festgelegten Eröffnungsterminen realisiert wurde.
Im redaktionellen Bereich gestaltete ich den Jahresbericht neu und führte ein magazinähnliches Format mit einem flexiblen Raster, Zitaten und Projektbeiträgen ein, um die wachsende internationale Reichweite der Tate eher als Geschichte denn als Dokument darzustellen.
Im Jahr 2015 arbeitete ich gemeinsam mit Charming Robot an der Erstellung von Wireframes und der Neugestaltung von tate.org.uk und entwickelte auf der Grundlage von Forschungsergebnissen und Verhaltensdaten ein nutzerzentriertes Design: eine verbesserte Suchfunktion, eine Startseite mit Bildern und Videos in voller Breite sowie eine standortbasierte Navigation. Der Mehrwert lag darin, ein Markensystem aus dem Print- und Raumgestaltungsbereich in ein Produkt zu übertragen, das die Menschen täglich nutzen.
Bei der Tate habe ich gelernt, wie man künstlerischen Ehrgeiz und institutionelle Strategie in einem einzigen Auftrag unter einen Hut bringt und wie jedes Projekt beiden Zielen dient – eine Denkweise, die ich 2016 zu Christie’s mitgenommen habe.
Im Jahr 2015 arbeitete ich gemeinsam mit North an der Neugestaltung der Markenidentität der Tate und leitete anschließend das interne Team bei der Umsetzung. Das zugrunde liegende Problem war die Struktur: vier Galerien mit unterschiedlichen Zielgruppen und Programmen, die als eine Institution wahrgenommen werden mussten. Die Lösung bestand nicht in einer Neugestaltung, sondern in einem anpassungsfähigen Logo und einem typografischen System – eine Vereinfachung, die der Marke mehr Spielraum in den verschiedenen Medien verschaffte und gleichzeitig das Wesentliche bewahrte, das die Menschen bereits kannten.
Außerdem gestaltete ich zahlreiche bemerkenswerte Ausstellungen, darunter die Damien-Hirst-Retrospektive im Jahr 2012, die 463.087 Besucher anzog und bis heute die meistbesuchte Einzelausstellung der Tate Modern ist. Außerdem war ich leitender Ausstellungsgestalter für „Henri Matisse: The Cut-Outs“ im Jahr 2014, die 562.622 Besucher anzog – die meistbesuchte Ausstellung der Tate und die erste, die die Marke von einer halben Million überschritt.
Beide Ausstellungen entstanden in Zusammenarbeit und verbanden kuratorische Intention, Design und Umsetzung zu einem groß angelegten Raumerlebnis, das termingerecht zu festgelegten Eröffnungsterminen realisiert wurde.
Im redaktionellen Bereich gestaltete ich den Jahresbericht neu und führte ein magazinähnliches Format mit einem flexiblen Raster, Zitaten und Projektbeiträgen ein, um die wachsende internationale Reichweite der Tate eher als Geschichte denn als Dokument darzustellen.
Im Jahr 2015 arbeitete ich gemeinsam mit Charming Robot an der Erstellung von Wireframes und der Neugestaltung von tate.org.uk und entwickelte auf der Grundlage von Forschungsergebnissen und Verhaltensdaten ein nutzerzentriertes Design: eine verbesserte Suchfunktion, eine Startseite mit Bildern und Videos in voller Breite sowie eine standortbasierte Navigation. Der Mehrwert lag darin, ein Markensystem aus dem Print- und Raumgestaltungsbereich in ein Produkt zu übertragen, das die Menschen täglich nutzen.
Bei der Tate habe ich gelernt, wie man künstlerischen Ehrgeiz und institutionelle Strategie in einem einzigen Auftrag unter einen Hut bringt und wie jedes Projekt beiden Zielen dient – eine Denkweise, die ich 2016 zu Christie’s mitgenommen habe.
2008–2011
Whitechapel
Leiter der Designabteilung
UX/UI
Design
Produktion
Inhaltsverwaltung
Als Design- und Produktionsleiter leitete ich die visuelle Neugestaltung der Galerie, sowohl vor Ort als auch online.
Der Hintergrund war eine Erweiterung. Die Whitechapel verdoppelte ihre Größe, übernahm die ehemalige Bibliothek nebenan und wurde als zwei Gebäude wiedereröffnet, die als eine Institution wahrgenommen werden sollten.
Ich wurde hinzugezogen, um das Markenauftritt für den Relaunch zu aktualisieren. Die bestehende Identität stand in Konkurrenz zur Kunst und es fehlte ein kohärentes System, daher arbeitete ich gemeinsam mit Spin an der Neugestaltung und leitete anschließend das interne Team bei der Umsetzung.
Die Idee, auf die wir uns einigten, war der Sockel: ein grafisches Element, das die Marke und alle Wegweiserinformationen in einem definierten Block zusammenfasst, der strukturell vom Bild getrennt ist. Es übernimmt seine Logik von der Galerie selbst: Ein Sockel stützt das Werk, ohne selbst das Werk zu sein. Das ermöglichte es uns, randlose, eng beschnittene Bilder zu verwenden, die den Betrachter aus nächster Nähe ansprechen und persönlich wirken, während die institutionelle Stimme lesbar und konsistent platziert bleibt. Die Marke hatte ihren eigenen Bereich, sodass sie nicht mehr mit den Kunstwerken um Platz konkurrieren musste. Sobald das Element einmal existierte, ließ es sich ohne weitere Neuerungen skalieren.
Neben der überarbeiteten Schriftart „Whitechapel“ und einem klar definierten Bildkonzept setzte das hauseigene Team das Konzept auf Beschilderungen, Drucksachen, Kampagnen und Publikationen um und verlieh den Materialien der Galerie eine sofortige Wiedererkennbarkeit, die bis heute Bestand hat.
Bei Holmes-Wood wurde der Sockel zum physischen Informationsträger in einem Wegeleitsystem, das die beiden Gebäude zu einem einzigen, übersichtlichen Besucherparcours verband – wobei für die Beschilderung dieselbe Regel galt wie für ein Plakat.
Das Projekt, auf das ich am stolzesten bin, ist die Website. Sie stand auf niemandes Plan; ich habe sie initiiert, intern dafür geworben und das Projekt von Anfang bis Ende mitgeleitet, da die Website allem entgegenwirkte, was wir gerade im physischen Raum aufgebaut hatten.
Die Umsetzung des Sockels in ein fließendes Raster war die interessante Herausforderung: Ein für feste Druckproportionen konzipiertes Element musste seine Logik bei jeder Bildschirmgröße beibehalten und gleichzeitig die Trennung zwischen Marke und Kunstwerk wahren, die es überhaupt erst gerechtfertigt hatte.
Dass uns das gelungen ist, hat bewiesen, dass die Identität ein System und nicht nur ein Look war.
Der Hintergrund war eine Erweiterung. Die Whitechapel verdoppelte ihre Größe, übernahm die ehemalige Bibliothek nebenan und wurde als zwei Gebäude wiedereröffnet, die als eine Institution wahrgenommen werden sollten.
Ich wurde hinzugezogen, um das Markenauftritt für den Relaunch zu aktualisieren. Die bestehende Identität stand in Konkurrenz zur Kunst und es fehlte ein kohärentes System, daher arbeitete ich gemeinsam mit Spin an der Neugestaltung und leitete anschließend das interne Team bei der Umsetzung.
Die Idee, auf die wir uns einigten, war der Sockel: ein grafisches Element, das die Marke und alle Wegweiserinformationen in einem definierten Block zusammenfasst, der strukturell vom Bild getrennt ist. Es übernimmt seine Logik von der Galerie selbst: Ein Sockel stützt das Werk, ohne selbst das Werk zu sein. Das ermöglichte es uns, randlose, eng beschnittene Bilder zu verwenden, die den Betrachter aus nächster Nähe ansprechen und persönlich wirken, während die institutionelle Stimme lesbar und konsistent platziert bleibt. Die Marke hatte ihren eigenen Bereich, sodass sie nicht mehr mit den Kunstwerken um Platz konkurrieren musste. Sobald das Element einmal existierte, ließ es sich ohne weitere Neuerungen skalieren.
Neben der überarbeiteten Schriftart „Whitechapel“ und einem klar definierten Bildkonzept setzte das hauseigene Team das Konzept auf Beschilderungen, Drucksachen, Kampagnen und Publikationen um und verlieh den Materialien der Galerie eine sofortige Wiedererkennbarkeit, die bis heute Bestand hat.
Bei Holmes-Wood wurde der Sockel zum physischen Informationsträger in einem Wegeleitsystem, das die beiden Gebäude zu einem einzigen, übersichtlichen Besucherparcours verband – wobei für die Beschilderung dieselbe Regel galt wie für ein Plakat.
Das Projekt, auf das ich am stolzesten bin, ist die Website. Sie stand auf niemandes Plan; ich habe sie initiiert, intern dafür geworben und das Projekt von Anfang bis Ende mitgeleitet, da die Website allem entgegenwirkte, was wir gerade im physischen Raum aufgebaut hatten.
Die Umsetzung des Sockels in ein fließendes Raster war die interessante Herausforderung: Ein für feste Druckproportionen konzipiertes Element musste seine Logik bei jeder Bildschirmgröße beibehalten und gleichzeitig die Trennung zwischen Marke und Kunstwerk wahren, die es überhaupt erst gerechtfertigt hatte.
Dass uns das gelungen ist, hat bewiesen, dass die Identität ein System und nicht nur ein Look war.
