L'œuvre « Number 7A, 1948 » de Jackson Pollock a bouleversé l'histoire de l'art.

Son jeu extrêmement sophistiqué entre la peinture, le mouvement et l'énergie dynamique est le fruit d'une forme de peinture entièrement nouvelle.

Réalisée sur une toile brute, sans apprêt, cette composition hautement poétique est le résultat de la nouvelle technique révolutionnaire de Pollock, qui s'apparentait à un « dessin dans l'espace ». Très peu, voire pas du tout, de pigment est appliqué directement sur la surface du tableau ; il est plutôt versé, coulé, projeté et accumulé en un agencement lyrique de traînées noires entrelacées.

Celles-ci sont ensuite entrecoupées de touches de pigment rouge vif — que Pollock incluait parfois pour ajouter une touche de drame —, en plus de plusieurs zones discrètes où il a introduit des touches de peinture violette.

En posant sa toile directement sur le sol et en travaillant par-dessus, Pollock pouvait se déplacer tout autour de la toile, se libérant ainsi des traditions de la peinture sur chevalet pour créer une expérience visuelle totale.

Grâce à cette nouvelle technique, Pollock pouvait impliquer tout son corps tant dans la composition que dans l’exécution du tableau. Il disait se sentir plus à l’aise, plus intimement impliqué dans sa création. Pollock disait souvent qu’il avait l’impression d’être à l’intérieur de ses tableaux, pris dans une lutte constante entre ce qu’il voulait que le tableau soit et ce que la peinture voulait faire d’elle-même.

Cette nouvelle approche révolutionnaire a captivé l’intérêt du public et Pollock est apparu dans des magazines et des émissions de télévision partout en Amérique, un magazine influent allant même jusqu’à se demander s’il était le plus grand peintre américain du XXe siècle.  

‍Number 7A, 1948 est un chef-d’œuvre de l’art du XXe siècle. Sa taille impressionnante et sa composition complexe en font une toile majestueuse et envoûtante qui représente un moment clé non seulement dans la carrière courte mais explosive de l’artiste, mais aussi dans l’histoire de l’art au sens large.  

Rayonnante par sa matérialité et radicale dans son raffinement formel, l’œuvre de Constantin Brancusi est une icône de l’art moderne. Grâce à sa vision puissante, Brancusi a transformé le visage féminin en un ensemble abstrait de formes harmonieuses, modifiant à jamais le cours de la sculpture au XXe siècle.  

Ici, la tête de Margit Pogany, une étudiante en art que l’artiste a rencontrée en 1910, est réinventée comme un continuum de courbes gracieuses. De larges arcs plans délimitent son regard et ses grands yeux, tandis que, vu de dos, son chignon soigné forme une spirale, une mèche de cheveux sinueuse glissée juste derrière son oreille. Les détails physionomiques sont distillés en formes élémentaires et pures dans la quête d’harmonie de Brancusi. « Ce n’est pas la forme extérieure qui est réelle, c’est l’essence des choses », a-t-il déclaré un jour. « Sur cette base, il est impossible à quiconque d’exprimer quoi que ce soit de réel en imitant les apparences superficielles. »

Brancusi était un maître de son matériau. D’abord réalisé en marbre, Brancusi a transposé ce motif en bronze vers 1913, créant six moulages de . Dans les premiers moulages, il a eu recours à la dorure pour atteindre ses objectifs artistiques, une technique rarement utilisée dans sa pratique, la finition étant aussi importante que le sujet lui-même. « Chaque matériau possède un langage particulier que je ne cherche pas à éliminer ni à remplacer par le mien », expliquait Brancusi, « mais simplement à lui faire exprimer ce que je pense, ce que je vois, dans son propre langage, qui n’appartient qu’à lui. »

La surface dorée suscite d’interminables reflets de lumière, tandis que, dans le même temps, la figure semble rayonner de l’intérieur, telle une déesse antique ou une icône d’une époque révolue. Associée à la dorure lumineuse, la patine sombre de ses cheveux évoque l’art ancien de l’Asie orientale. En assimilant une présence individuelle de son époque, tout en s’inspirant de l’apparence et de la signification des œuvres d’art du passé, Brancusi a créé un langage sculptural tout à fait unique et une nouvelle forme de féminité.