Jackson Pollocks „Number 7A, 1948“ hat die Kunstgeschichte revolutioniert .

Das äußerst raffinierte Zusammenspiel von Farbe, Bewegung und dynamischer Energie ist das Ergebnis einer völlig neuen Form der Malerei.

Auf roher, ungrundierter Leinwand entstanden, ist diese höchst poetische Komposition das Ergebnis von Pollocks revolutionärer neuer Technik, die einem „Zeichnen im Raum“ gleichkam. Nur sehr wenig, wenn überhaupt, wird die Farbe direkt auf die Oberfläche des Gemäldes aufgetragen; stattdessen wird sie gegossen, getropft, gespritzt und zu einer lyrischen Anordnung aus ineinander verschlungenen schwarzen Spuren verteilt.

Diese werden dann durch Tupfer aus leuchtend rotem Pigment durchsetzt – etwas, das Pollock gelegentlich einfügte, um einen dramatischen Effekt zu erzielen – sowie durch mehrere diskrete Bereiche, in denen er Tupfer aus violetter Farbe einbrachte.

Indem er seine Leinwand direkt auf den Boden legte und von oben arbeitete, konnte Pollock sich um die gesamte Leinwand herum bewegen und sich so von den Traditionen der Staffeleimalerei befreien, um ein umfassendes visuelles Erlebnis zu schaffen.

Mit dieser neuen Technik gelang es Pollock, seinen ganzen Körper sowohl in die Komposition als auch in die Ausführung des Gemäldes einzubeziehen. Er sagte, er fühle sich dadurch wohler und sei enger in den Schaffensprozess eingebunden. Pollock sagte oft, er habe das Gefühl, sich in seinen Gemälden zu befinden, in einem ständigen Ringen zwischen dem, was er sich für das Gemälde vorstellte, und dem, was die Farbe von sich aus tun wollte.

Dieser revolutionäre neue Ansatz weckte das Interesse der Öffentlichkeit, und Pollock trat in Zeitschriften und Fernsehsendungen in ganz Amerika auf; eine einflussreiche Zeitschrift fragte sogar, ob er der größte amerikanische Maler des 20. Jahrhunderts sei.  

„Number 7A, 1948“ ist ein Meisterwerk der Kunst des 20. Jahrhunderts. Seine beeindruckende Größe und komplexe Komposition ergeben eine majestätische und hypnotisierende Leinwand, die einen Schlüsselmoment nicht nur in der kurzen, aber explosiven Karriere des Künstlers, sondern auch in der gesamten Kunstgeschichte darstellt.  

Strahlend in ihrer Materialität und radikal in ihrer formalen Raffinesse ist Constantin Brancusis  eine Ikone der modernen Kunst. Durch seine eigene kraftvolle Vision verwandelte Brancusi das weibliche Gesicht in eine abstrahierte Anordnung harmonischer Formen und veränderte damit für immer den Verlauf der Bildhauerei im 20. Jahrhundert.  

Hier wird der Kopf von Margit Pogany, einer Kunststudentin, die der Künstler 1910 kennenlernte, als Kontinuum anmutiger Kurven neu interpretiert. Geschwungene, flächige Bögen deuten ihren Blick und ihre großen Augen an, während von hinten ihr ordentliches Haarknoten eine Spirale bildet, eine schlangenförmige Haarsträhne, die knapp hinter ihrem Ohr versteckt ist. Physiognomische Details werden in Brancusis Streben nach Harmonie auf die elementarsten und reinsten Formen reduziert. „Nicht die äußere Form ist real, sondern das Wesen der Dinge“, erklärte er einmal. „Auf dieser Grundlage ist es unmöglich, etwas Reales auszudrücken, indem man oberflächliche Erscheinungen nachahmt.“

Brancusi war ein Meister seines Materials. Ursprünglich in Marmor ausgeführt, übertrug Brancusi dieses Motiv um 1913 in Bronze und schuf sechs Abgüsse von . In den frühen Abgüssen nutzte er Vergoldung, um seine künstlerischen Ziele zu erreichen – eine Technik, die in seinem Schaffen selten anzutreffen ist, wobei die Oberflächenbehandlung ebenso wichtig war wie das Motiv selbst. „Jedes Material hat eine eigene Sprache, die ich nicht beseitigen und durch meine eigene ersetzen will“, erklärte Brancusi, „sondern lediglich dazu bringen möchte, das, was ich denke und sehe, in seiner eigenen Sprache auszudrücken, die ihm allein eigen ist.“

Die vergoldete Oberfläche zaubert endlose Lichtreflexe hervor, während die Figur gleichzeitig von innen zu leuchten scheint, wie eine antike Göttin oder Ikone aus einer vergangenen Epoche. Zusammen mit der leuchtenden Vergoldung erinnert die dunkle Patina ihres Haares an die antike Kunst Ostasiens. Durch die Verschmelzung einer individuellen Präsenz seiner eigenen Zeit mit dem Aussehen und der Bedeutung von Kunstwerken der Vergangenheit schuf Brancusi eine völlig einzigartige Bildsprache und eine neue Form der Weiblichkeit.